Historia de la Industria o Sector del Cine

Historia de la Industria del Cine

En 1896 Thomas Alva Edison (1847-1931) proyectó la primera muestra de cine en los Estados Unidos, y nació la industria cinematográfica americana. Reconociendo el potencial comercial del cine como medio de entretenimiento, los empresarios e inventores comenzaron a capitalizarlo. Ver películas (abreviatura de «películas en movimiento») se convirtió rápidamente en un pasatiempo popular estadounidense, y para 1930 más de 100 millones de estadounidenses asistían a un teatro cada semana. A lo largo del siglo XX, la industria cinematográfica se adaptó a un sinfín de desafíos y cambios, incluyendo la Gran Depresión (1929-39), dos guerras mundiales (1914-18, 1939-45), y las revoluciones tecnológicas del sonido, el color, la televisión y la computadora. A principios del siglo XXI se había convertido en una empresa multimillonaria.

En 1889, el empleado de Thomas Edison, William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935), desarrolló el cinescopio, un dispositivo para ver imágenes en movimiento. El kinetoscopio, o cámara de cine, era una gran caja que contenía una fuente de luz y una tira de película con una secuencia de imágenes en ella. Las imágenes de la película parecían moverse cuando la tira pasaba rápidamente sobre la fuente de luz. Aunque el cinescopio fue un invento revolucionario, sólo una persona a la vez podía ver la película mirando a través de un pequeño agujero en la parte superior de la caja. En 1895 Thomas Armat (1866-1948) y Charles Francis Jenkins (1867-1934) inventaron el primer proyector de cine comercial. A diferencia del cinescopio, el proyector proyectaba imágenes en una pantalla que podía ser vista por muchas personas al mismo tiempo. Edison compró el diseño y renombró el dispositivo como Vitascopio de Edison. El 23 de abril de 1896, el Vitascopio se utilizó para proyectar el primer espectáculo público de imágenes en movimiento en el Music Hall de Koster y Bial en la ciudad de Nueva York.

Debido a que las películas, también conocidas como películas o filmes, eran un nuevo fenómeno en la cultura americana, no había teatros dedicados exclusivamente a su proyección. Se usaban casas de vodevil, que ofrecían entretenimiento en vivo, y otros lugares. Los hombres de negocios viajaban de ciudad en ciudad con un proyector y películas, instalándose en ferias, en edificios vacíos o en cualquier otro lugar que fuera conveniente. Las primeras películas a menudo se centraban en lugares exóticos o en escenas desconocidas para el espectador para entretener al público. Algunos de los títulos incluían American Falls from Bridge: Cataratas del Niágara (1896), Panorama de la Torre Eiffel (1900) y El tren fantasma (1903).

La popularidad de las películas creció rápidamente, y pronto los viejos escaparates se convirtieron en salas de cine, o nickelodeons, donde la entrada general era originalmente de cinco centavos. Como no había compañías de distribución, los nickelodeons eran temporales y se cerraban una vez agotada la oferta de películas. A menudo la proyección de una película se acompañaba de entretenimiento en vivo como baile, canto y conferencias.
A principios del siglo XX, empresarios e inventores como Edison y Dickson dominaban la industria cinematográfica. Los inventores querían controlar los derechos de los dispositivos utilizados para hacer y mostrar películas, mientras que los empresarios se dieron cuenta de que las películas podían ser una empresa comercial rentable debido al potencial de entretenimiento del medio. Durante este período se entablaron numerosos pleitos de patentes en un esfuerzo por controlar inventos como el cinescopio. También fue un período en el que se prestó poca atención al contenido de las películas; en cambio, se hizo hincapié en la fabricación de un producto. Las películas se vendían por el pie.

En 1902 se estableció en San Francisco la primera compañía de distribución, la Miles Brothers Exchange. Hasta entonces no había habido ninguna garantía de un suministro de películas estable. La Miles Brothers Exchange se centró únicamente en la distribución en lugar de la producción, un modelo de negocio que cambió permanentemente la industria del cine. La compañía compraba películas a las productoras y luego las alquilaba a los cines durante una semana. Esto aumentaba el potencial de ingresos de cualquier película al llegar a la mayor audiencia posible, y aseguraba que el exhibidor, o la casa de cine, tuviera un suministro constante de películas. En cinco años había más de 150 compañías de distribución dispersas por los Estados Unidos. La industria cinematográfica se dividía ahora en tres sectores separados: fabricación o producción, distribución y exhibición.

El comienzo del siglo XX fue también la era del cine mudo. En 1903 el director-fotógrafo estadounidense Edwin S. Porter (1870-1941), que había trabajado como camarógrafo con Edison, realizó El gran robo de un tren, la primera película que contaba una historia completa. Producida por los Estudios Edison, la «epopeya» de doce minutos estableció un patrón de drama de suspenso que fue seguido por los siguientes cineastas. El Gran Robo de Trenes fue la primera película en presentar técnicas que se convirtieron en estándares de la industria, como la edición, el desarrollo de personajes y la trama. Los años del cine mudo también se consideraron la era dorada para los actores. Durante esta época, las estrellas de cine podían exigir sus propios salarios y beneficios, que sólo estaban limitados por el mercado y no por el estudio, lo que hacía que muchos actores fueran increíblemente ricos.

Beneficiándose de una estructura de distribución fiable, el primer cine permanente se estableció en Pittsburgh, Pennsylvania, en 1905. La popularidad de las películas y de los cines creció a un ritmo asombroso, y al año siguiente se habían construido más de 1.000 cines en todo el país. El rápido crecimiento aumentó, y para 1910 había más de 10.000 cines en los Estados Unidos. En 1910 se estableció la General Film Company y adquirió una participación de control en la mayoría de las compañías de distribución, creando una red de distribución a nivel nacional. Esto marcó el fin de las pequeñas compañías de distribución independientes. En la década de 1920 el sector de distribución de la industria cinematográfica se redujo a ocho empresas.

Durante la década de 1920 la popularidad de las películas aumentó, y se prestó más atención al contenido. Esta fue también la década en la que la mayoría de los estudios de cine se trasladaron a California. Anteriormente las películas se habían producido en el área metropolitana de Nueva York, donde se encontraban muchas de las empresas titulares de patentes. En la década de 1920 la mayoría de las guerras de patentes habían terminado, y no había razón para permanecer en Nueva York. Los estudios a menudo filmaban al aire libre para aprovechar la luz natural, lo que producía una mejor imagen. California tenía más días soleados y su clima era templado, lo que la hacía más propicia para la filmación en exteriores. Los bienes raíces en California eran más baratos, al igual que la mano de obra. Muchas empresas eligieron establecerse en o cerca de Hollywood, California, que se convirtió en el centro de la producción cinematográfica durante muchos años.

En 1927 se estrenó The Jazz Singer, el primer largometraje hablado (o talkie), protagonizado por el vodevil Al Jolson (1886-1950). Aunque la introducción del sonido se consideraba revolucionaria, mucha gente de la industria no acogió su llegada con entusiasmo. Teatros y etapas de producción enteras tuvieron que ser renovados a un gran costo para acomodar la nueva tecnología. Los productores lucharon con el desafío de hacer una película
porque los micrófonos eran extremadamente sensibles y recogían una variedad de ruidos de fondo. Estos ruidos extraños hacían difícil filmar en exteriores, y muchos productores comenzaron a filmar de noche o en interiores. Filmar en interiores también fue problemático porque el uso de ventiladores estaba prohibido en los sets, creando un ambiente de trabajo caliente e incómodo. El costo de los programas de entrevistas era mucho más alto que el de las películas mudas, así como el costo de doblarlas a idiomas extranjeros. Esto redujo drásticamente los beneficios en el mercado de películas extranjeras.

Los actores tampoco se impresionaron con la nueva tecnología porque estaban acostumbrados a actuar sin diálogos. Los actores de cine mudo habían desarrollado técnicas para transmitir emociones en cámara, incluyendo movimientos corporales dramáticos y exagerados. Ahora se les exigía evitar cualquier movimiento innecesario o estilos dramáticos de actuación para eliminar los ruidos extraños. Además, el público se había acostumbrado a ver a determinados actores en las películas, pero nunca los había oído hablar. Algunos actores, como Clara Bow (1905-65), prosperaron durante la era del cine mudo, pero al público no le gustaba su acento neoyorquino cuando se filmaba en un talkie. Bow y muchos otros no pudieron pasar del cine mudo al sonido. Los actores que lograron la transición fueron Clark Gable (1901-60) y «Steamboat Willie», que más tarde se conoció como Mickey Mouse.

A pesar de estas dificultades, el cine sonoro se convirtió rápidamente en el estándar de la industria, en parte debido a la innovación de la grabación multipista. El cineasta Rouben Mamoulian (1897-1987) se dio cuenta de que se podían grabar diferentes sonidos en diferentes pistas y luego combinarlos durante la producción final. Los actores, la música y los efectos de sonido se grababan cada uno por separado; se ajustaba el volumen y luego todos los sonidos se combinaban en la película final.

Las películas proporcionaban un escape de la vida cotidiana, una diversión que muchos estadounidenses necesitaban durante la Gran Depresión. Los cines atraían a 100 millones de espectadores semanales en 1930, cuando la población total de los Estados Unidos era sólo de 120 millones y menos de 60 millones de personas a la semana asistían a la iglesia. Para 1932 todas las películas eran películas sonoras, y para el final de la década muchas películas usaban Technicolor, un método de marca registrada para hacer películas en color. Con un teatro en casi todas las ciudades, la gente en los Estados Unidos acudía en masa a los «shows de cine», y las películas se convirtieron en una de las principales industrias de la nación.

Entre los años 30 y 50, la industria cinematográfica dominó el entretenimiento. Los cines se beneficiaron del aumento del tiempo de ocio de los estadounidenses y de la voluntad del público de gastar dinero en entretenimiento. El entretenimiento ya no era una experiencia singular, sino que era consumido por un público masivo en los cines de todo el país. La televisión era sólo una empresa incipiente que aún tenía que desafiar la popularidad de las películas, y la radio podría proporcionar el sonido pero no la imagen. En el contexto de esta popularidad y de la incertidumbre financiera de la Gran Depresión, la industria desarrolló el sistema de estudios, en el que los estudios cinematográficos controlaban no sólo la producción de películas sino también su distribución y exhibición. Este control de los tres sectores de la industria fue conocido como

integración vertical. El sistema de estudios creó un oligopolio – pocos productores se vieron muy afectados pero no tenían un control completo del mercado. La industria se organizó rápidamente en unas pocas grandes empresas conocidas como los «Ocho Grandes»: Paramount, Fox, Radio-Keith-Orpheum (RKO), Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Brothers, Columbia, Universal y United Artists.

El oligopolio de la industria cambió el equilibrio de poder de los actores, acostumbrados a negociar sus salarios, a los estudios que idearon un sistema de trabajo contractual a precios fijos. Debido a la agitación financiera de la Gran Depresión, la industria cinematográfica no podía permitirse pagar los enormes salarios que recibían algunas estrellas de cine. Un actor que quería permanecer en la industria debía firmar un contrato con un estudio por un período fijo de tiempo, normalmente siete años, y trabajar sólo para ese estudio hasta que el contrato expirara. Además, los estudios se confabularon entre sí para mantener bajos los salarios fijos. Los contratos estipulaban un número mínimo y máximo de películas cada año en las que el actor debía participar. Los actores ya no elegían películas y papeles que les convenían, sino que el estudio asignaba a un actor (cuyo contrato era de su propiedad) a una película. Si un estudio suspendía a un actor por mal comportamiento, el tiempo de suspensión se añadía al plazo del contrato original. Esto evitaba que los actores dejaran de cumplir sus contratos si no les gustaba el estudio para el que trabajaban. Si un actor trataba de salirse de un contrato, podía ser puesto en una lista negra y no volver a trabajar en la industria. La mayoría de los actores firmaban contratos porque era la única manera de permanecer en la industria. Querían la seguridad de un sueldo fijo durante un período económicamente inestable de la historia de los EE.UU., así como la protección de la incertidumbre que el sonido había creado en la industria.

En 1943 la actriz Olivia de Havilland (1916-) demandó al estudio cinematográfico Warner Bros. que era el propietario de su contrato por extender su plazo original para incluir un período en el que había sido suspendido. El estudio argumentó que podía extender el contrato si ella no trabajaba para recuperar el tiempo y el dinero que habían perdido mientras no trabajaba. De Havilland argumentó que como no se le pagaba durante el tiempo de suspensión, no debía al estudio tiempo adicional. Los tribunales estuvieron de acuerdo, y De Havilland ganó el caso. Esto significó un cambio en la relación actor-estudio, reduciendo el poder del estudio y permitiendo a los actores un mayor control creativo.

A finales de los años 50 el sistema de estudios ya no existía. La victoria de De Havilland había permitido a los actores recuperar el control de su poder de negociación. El desarrollo y la popularidad de la televisión hizo que la gente empezara a gastar sus dólares de entretenimiento en otros lugares. Además, la legislación antimonopolio obligó a la industria cinematográfica a diversificarse y el sistema de integración vertical fue desmantelado. La producción, distribución y exhibición ya no eran propiedad de los mismos grandes estudios.

En la década de 1970 la industria había desarrollado una estructura que continuaría hasta principios del siglo XXI. Los estudios servían principalmente como financieros y distribuidores, ofreciendo dinero a los productores independientes por los derechos de distribución del producto final. Además, la diversificación de la industria había creado muchos nuevos puestos de trabajo. Durante los primeros años de la industria, los productores eran responsables de gran parte del trabajo, incluyendo la dirección, edición y distribución. En la década de 1990, cientos de personas, como directores, cineastas, editores y otros, producían películas. Para poder competir con la televisión, la industria cinematográfica reveló innovaciones como las imágenes de pantalla ancha y tridimensionales (3D). También se introdujeron efectos especiales mejorados y animación por computadora.

A pesar de estos avances, a principios del siglo XXI la industria cinematográfica seguía compartiendo muchas similitudes con la industria de hace cien años. La industria se dividió en tres sectores: distribución, exhibición y producción. La distribución seguía siendo un oligopolio, y en el año 2000 sólo cinco compañías -Disney, Fox, Paramount, Universal y Warner Brothers- se encargaban de dos tercios de los nuevos lanzamientos. Además, la industria cinematográfica seguía siendo un negocio en el que la demanda de una película en particular era incierta. Como una obra de arte, cada película era un producto único, y su éxito no podía predecirse hasta que se consumía. No había una fórmula probada y verdadera para crear una película bien recibida. Un productor podía hacer una película de acción que fuera un éxito de taquilla y luego otra de acción que no le gustara a nadie, a pesar de usar técnicas, actores y tramas similares.

La industria cinematográfica también tuvo que lidiar con el crecimiento de Internet. Los cineastas independientes pudieron llegar rápidamente a un amplio público al publicar sus películas en línea. Sin embargo, para los ejecutivos de los estudios y otras personas de la industria, Internet era una grave amenaza porque hacía que la piratería de películas fuera fácil y barata. En 2005 la Motion Picture Association of America (MPAA), organización que representaba a seis de los grandes estudios de los Estados Unidos, informó de que la piratería cinematográfica había ocasionado pérdidas por valor de 18.200 millones de dólares en todo el mundo. La industria cinematográfica intentó encontrar soluciones, pero durante los primeros años del siglo XXI la piratería siguió siendo un problema grave. No obstante, la industria siguió adaptándose y tuvo un enorme impacto en la cultura y la vida de los Estados Unidos.

Revisor de hechos: Marck

Historia de la Industria del Espectáculo

Véase la Historia de la Industria del Entretenimiento o Espectáculo.