Sector de Producción y Distribución de Música

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Sector: Producción y Distribución de Música

Traducción al Inglés

Traductor: Producción y Distribución de Música se traduce en inglés de la siguiente forma: Music Production and Distribution.

Códigos de Clasificación Industrial de Producción y Distribución de Música

Clasificación Industrial Estándar (Código SIC)

2731 , 7389 (Véase una descripción del Código SIC)

Código NAICS (Sistema de Clasificación Industrial de América del Norte)

512230 , 512240 , 512290 (Véase una descripción del Código Naic)

Descripción del Sector (Producción y Distribución de Música)

Las empresas de esta industria producen, venden y conceden licencias de grabaciones musicales; también pueden poseer y conceder licencias de derechos de autor musicales. Entre las principales empresas se encuentran Sony Music Entertainment, Universal Music Group y Warner Music Group (todas ellas con sede en los Estados Unidos), así como Avex Group (Japón); Edel (Alemania) y GMM Grammy (Tailandia).En los últimos años se ha producido un gran cambio en el sector de los medios de comunicación debido a su alto crecimiento, aunque con grandes cambios en las fuentes de ingresos (publicidad) frente a las grandes empresas tecnológicas. Esta industria se enfrenta a grandes retos debido a los avances tecnológicos y las nuevas formas de comunicación que se han convertido en requisito fundamental para cualquier empresa.

Entorno Competitivo

La demanda está impulsada por el gasto de los consumidores. La rentabilidad de las empresas individuales depende del descubrimiento y la promoción de nuevos talentos musicales y de la generación de ingresos a partir de la base de activos de grabaciones y publicaciones de la empresa. Las grandes empresas tienen ventajas en la comercialización y la distribución. Las empresas más pequeñas, muchas de las cuales son sellos discográficos independientes (a menudo denominados «indies»), pueden competir eficazmente centrándose en los artistas de los mercados locales o los géneros musicales. La industria de los Estados Unidos está muy concentrada: las 20 principales empresas representan más del 80% de los ingresos de la industria.

Operaciones, Tecnología y Productos

Los ingresos de la industria de los Estados Unidos provienen principalmente de la entrega digital (alrededor del 75% de los ingresos totales) y de las grabaciones físicas (alrededor del 20%), según la Asociación de la Industria de la Grabación de América (RIAA). La industria también genera ingresos por la sincronización, o el uso de música en contenidos como películas, programas de TV, publicidad y videojuegos (menos del 5% de los ingresos). En la categoría de entrega digital, los servicios de streaming (suscripciones y ventas de publicidad) representan aproximadamente el doble de los ingresos que las descargas de álbumes, pistas individuales y tonos de llamada.
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La industria musical americana, también conocida como industria de la grabación o de la grabación de sonido, comenzó en 1877 cuando Thomas Alva Edison (1847-1931) inventó el fonógrafo, un dispositivo que grababa y reproducía el sonido. Antes del descubrimiento de Edison, la música sólo podía experimentarse de primera mano, y existían pocas grabaciones de sonido. Las compañías de fonógrafos surgieron rápidamente y evolucionaron hasta convertirse en sellos discográficos, firmando músicos y produciendo discos. Durante el siglo XX, la demanda de música grabada aumentó de manera constante, y la industria musical estadounidense se convirtió en uno de los mayores productores de música del mundo, creando una empresa internacional de miles de millones de dólares gracias a la constante innovación en la calidad del sonido y a dispositivos más pequeños y portátiles, como el Walkman de Sony y el iPod de Apple. Sin embargo, a principios del siglo XXI, la industria había perdido millones de dólares a causa de la piratería musical y luchó por adaptarse a los cambios provocados por la música digital e Internet.

En 1877, la invención del fonógrafo por Edison, precursor del tocadiscos, introdujo al público estadounidense en el sonido grabado. Aunque otros inventores habían desarrollado dispositivos de grabación, ninguno había descubierto un método para reproducir el sonido en la misma máquina que lo había grabado. El fonógrafo de Edison se accionaba mediante una manivela y permitía al usuario hablar en el dispositivo, que registraba lo que se decía en un cilindro envuelto en papel de aluminio. Colocando una aguja en las hendiduras del cilindro, el sonido podía ser reproducido. En 1878 Edison estableció la Edison Speaking Phonograph Company para fabricar y vender su dispositivo. También creó el sello discográfico Edison Records como una división de la compañía. Una década más tarde, Edison descubrió que los cilindros hechos de cera también podían grabar sonido y eran más baratos de producir que los cilindros de papel de aluminio. La cera se convirtió rápidamente en el estándar de la industria.

Durante los primeros años de la reproducción de sonido, el fonógrafo se consideraba una novedad, y poca gente lo compraba porque la máquina era cara y difícil de manejar. Además, los cilindros pregrabados no podían ser producidos en masa. La única forma de hacer duplicados de una grabación era ejecutar la canción o la actuación de nuevo para cada cilindro adicional, un proceso costoso y que requería mucho tiempo. El dispositivo de Edison se utilizaba principalmente para el dictado en oficinas, que lo alquilaban en lugar de comprarlo. Sin embargo, en 1888 Emile Berliner (1851-1929) descubrió una forma de grabar el sonido en discos de vidrio en lugar de cilindros de cera. Los discos, o discos como se les llamaba comúnmente, eran fáciles de copiar y producir en masa.

En 1888 se estableció la Columbia Phonograph Company y rápidamente se convirtió en uno de los principales competidores de Edison. A medida que la idea de experimentar la música en el hogar ganaba popularidad entre los consumidores estadounidenses, ambas compañías se apresuraron a desarrollar fonógrafos más pequeños, más baratos y más fáciles de manejar. En 1891 un fonógrafo costaba 150 dólares, pero en 1899 ciertos modelos, como el Edison’s Gem, estaban disponibles por 7,50 dólares. La disponibilidad de fonógrafos domésticos baratos aumentó la demanda de música grabada, y para 1900 las ventas anuales de discos alcanzaron más de 3 millones de dólares.
En 1901, el berlinés y su compañero inventor Eldridge R. Johnson (1867-1945) fundaron la Victor Talking Machine Company en Camden, Nueva Jersey, como sello discográfico y fabricante de fonógrafos. Johnson había inventado un motor de resorte con mecanismo de relojería para el fonógrafo, lo que eliminó la necesidad de una manivela. Un año más tarde Victor contrató al cantante de ópera ítalo-americano Enrico Caruso (1873-1921) para su sello discográfico, y hasta su muerte publicaron casi 300 grabaciones comerciales de sus actuaciones. «Vesti la giubba» de Caruso, un aria de la ópera Pagliacci, se convirtió en la primera grabación que vendió un millón de copias. Su éxito hizo de Victor uno de los mayores y más conocidos sellos discográficos del mundo. También impulsó el crecimiento de la industria musical en general.
En 1910 Edison Records, Victor y Columbia se convirtieron en los tres mayores sellos discográficos de los Estados Unidos y vendieron la mayoría de los discos. Edison Records producía principalmente música instrumental y sinfónica, mientras que Columbia adquirió los contratos de músicos de blues y jazz en ciernes, como Louis Armstrong (1901-71), Clarence Williams (1893-1965) y Bessie Smith (1894-1937). Aunque el jazz y el blues eran géneros populares de nicho, la mayoría de los discos vendidos presentaban música sinfónica. En 1920 Victor firmó con el legendario compositor ruso Sergei Rachmaninoff (1873-1943), iniciando así su carrera como concertista de piano y consolidando la reputación de Victor como sello discográfico internacional.
Durante los años 20 la popularidad de la radio superó la de los discos. La radio ofrecía una amplia variedad de entretenimiento, incluyendo deportes, noticias, discursos políticos, telenovelas y comedias, así como música. Las compañías fonográficas luchaban por seguir siendo rentables. En 1927, en un esfuerzo por generar otras formas de ingresos, Columbia estableció una red de difusión de radio, a la que llamó Sistema de Difusión Fonográfica de Columbia. Sin embargo, debido a los altos costos de operación, Columbia vendió la red después de sólo un año. En 1929 la Corporación de Radio de América (RCA) compró a Victor y la rebautizó RCA-Victor. Bajo la dirección del ejecutivo de la RCA, David Sarnoff (1891-1971), RCA-Victor desarrolló y fabricó pequeños gabinetes que contenían tanto una radio como un fonógrafo. El producto, que estaba destinado al uso doméstico, impulsó las ventas de la división. En 1929 Edison cerró su compañía de fonógrafos, incluyendo la discográfica.

La crisis económica de la Gran Depresión (1929-39) redujo aún más las ventas de la industria musical. La mayoría de los estadounidenses no podían permitirse los fonógrafos o los discos. Columbia siguió luchando hasta 1938, cuando fue comprada por la red de radio que había fundado, por lo que pasó a llamarse Columbia Broadcasting Company (CBS), que había logrado el éxito bajo la dirección de William Paley (1901-90). La música clásica siguió siendo el género más vendido, aunque la música swing y el jazz se hicieron cada vez más populares. Las compañías discográficas pudieron generar algunos ingresos distribuyendo discos a las emisoras de radio para que los reprodujeran durante las emisiones. Sin embargo, la industria cinematográfica hizo lo máximo para impulsar la innovación y las ventas de las grabaciones de sonido. Tras el lanzamiento en 1927 de la primera película sonora, los estadounidenses estaban tan fascinados con el concepto de sonido que acompañaba a una película que los estudios cinematográficos se propusieron convertirlo en una característica permanente y utilizable. Los estudios comenzaron a estandarizar la velocidad de las cámaras y los proyectores para que los movimientos físicos se ajustaran al habla. También convirtieron las áreas de producción para acomodar el sonido, alojando los equipos ruidosos en cabinas insonorizadas.

A finales de los años 30, las ventas de música aumentaron debido a la creciente popularidad de la rocola, que se instaló en establecimientos de comida y bebida de todo el país. Los tocadiscos, que funcionaban con monedas, eran grandes reproductores de música que contenían muchos discos y un tocadiscos. Los clientes podían insertar monedas para seleccionar la canción que querían escuchar. Como los discos de las rocoleras se cambiaban semanalmente, la demanda de música nueva aumentaba rápidamente. A mediados de los años 40, más de la mitad de los discos producidos en los Estados Unidos se hacían en tocadiscos. La Segunda Guerra Mundial (1939-45) también impulsó los beneficios de la industria musical. Los Estados Unidos y otras naciones invirtieron en equipos de grabación de sonido para el esfuerzo bélico, y los músicos comenzaron a producir nueva música para las tropas en el extranjero. Estos discos se denominaron V-discos. Además, la industria comenzó a fabricar discos de vinilo, lo que redujo significativamente el riesgo de rotura durante el transporte.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el pago de las regalías de los músicos se convirtió en un problema. Cada vez que una canción se escuchaba en la radio, la emisora pagaba una pequeña regalía al propietario de los derechos de autor, que rara vez era el músico. En 1942 James Petrillo (1892-1984), el líder del sindicato de la Federación Americana de Músicos (AFM), convocó una huelga de músicos. La AFM representaba a músicos profesionales, no a cantantes, y en 1940 contaba con más de 130.000 miembros. Los miembros de la AFM se negaron a grabar nueva música hasta que las discográficas aceptaron pagarles derechos de autor cada vez que una de sus canciones se escuchaba en la radio o en las rocolas. Hasta que la huelga terminó en 1944, los músicos de la AFM no produjeron nuevos discos, excepto los discos V. Sin banda ni instrumentos, muchos artistas de grabación, incluyendo a Frank Sinatra (1915-98), fueron forzados a tocar a cappella o a usar un grupo vocal para la música de fondo. Cantantes populares como Bing Crosby (1903-77) y Perry Como (1912-2001) comenzaron a reemplazar el género del swing, que dependía en gran medida de los músicos.

Después de la guerra, la industria discográfica hizo importantes avances tecnológicos. El desarrollo de la grabación de alta fidelidad produjo una mejor calidad de sonido; los tocadiscos caseros se hicieron más baratos; los discos de 45 rpm, o sencillos, se hicieron más pequeños y presentaban una alta fidelidad; y se introdujeron los discos de larga duración (LP) que podían grabar varias canciones. El LP revolucionó la forma en que se grababa y vendía la música. Si una canción se convertía en un éxito en la radio, la compañía discográfica la lanzaba con otras pistas en un LP. Estos discos costaban más que los singles, aumentando los beneficios de la industria, y los músicos podían grabar álbumes enteros.

Durante la década de 1950 el desarrollo de las grabadoras también revolucionó la industria al simplificar el proceso de edición. Anteriormente los músicos actuaban en vivo en el estudio, y toda la actuación tenía que ser impecable. Sin embargo, las grabadoras hicieron posible editar la grabación cortando y empalmando la cinta. Si un cantante no tocaba una nota, la cinta podía ser cortada y se podía insertar otra pieza con la nota correcta. La grabadora también introdujo el concepto de grabación multipista. Con la multipista, cada parte de una pieza de un conjunto podía ser grabada por separado, y luego las pistas podían ser combinadas más tarde. Esto redujo la necesidad de actuaciones en vivo con todos en el estudio al mismo tiempo.

La popularidad del rock and roll también aumentó los ingresos. En el decenio de 1950 la música de Richard Wayne «Little Richard» Penniman (1932-), Chuck Berry (1926-), Jerry Lee Lewis (1935-) y Elvis Presley (1935-77) atrajo a adolescentes y jóvenes adultos, un grupo demográfico de rápido crecimiento, y el rock and roll se convirtió rápidamente en el género musical dominante en los Estados Unidos, superando las ventas de los discos de música sinfónica. En 1956 Presley grabó su primer sencillo número uno para RCA Records, «Heartbreak Hotel», que vendió más de dos millones de copias. La música rock impulsó el crecimiento de la industria durante la segunda mitad del siglo XX.
Aunque la industria de la música y la industria de la radio habían sido originalmente competidores, con el tiempo desarrollaron una relación más estrecha. A finales de los años 40 y 50, los sellos discográficos produjeron cientos de singles cada año, pero sólo un puñado de ellos fueron éxitos. Obtener la mayor cantidad posible de emisiones de radio era el método más común para asegurar la popularidad de una canción. El número de veces que una canción sonaba en la radio era una medida de cuánto le gustaba al público. En un intento de aumentar artificialmente la popularidad de ciertas canciones, las compañías discográficas inventaron el sistema de payola, en el que pagaban a los disc-jockeys para que tocaran canciones específicas con más frecuencia. En 1959 el Congreso realizó audiencias para investigar las acusaciones de payola, y varios disc-jockeys admitieron haber aceptado sobornos. Incluso se pidió a la legendaria personalidad de la radio y la televisión Dick Clark (1929-2012) que testificara. En 1960 el Congreso enmendó la Ley Federal de Comunicaciones, haciendo ilegal que los disc jockeys aceptaran pagos a cambio de tocar canciones a petición de las discográficas.

En la década de 1960 la música se hizo portátil con el desarrollo de las grabadoras de transistores y los reproductores de cintas de ocho pistas. El transistor era especialmente popular entre los adolescentes y los adultos jóvenes debido a su pequeño tamaño y a su capacidad para volver a grabar música de la radio o de otra grabadora. En 1965 Ford introdujo en varios de sus modelos grabadoras de ocho pistas instaladas de fábrica. El reproductor de ocho pistas era un aparato voluminoso que se volvió obsoleto en la década de 1970 con la introducción de cintas de casete más pequeñas. Los reproductores de casetes se convirtieron rápidamente en una característica de los sistemas estéreos domésticos, y los fabricantes de automóviles los incluyeron en los nuevos automóviles. En 1968 se vendieron más de 2.400 millones de reproductores de casetes en todo el mundo.

En las décadas de 1960 y 1970 el rock and roll se hizo cada vez más popular. Las ventas récord, que fueron de unos 60 millones de dólares en 1960, habían aumentado a 1.200 millones de dólares en 1970. Además, el número de sellos discográficos se había multiplicado, y RCA Records y Columbia se encontraron con una fuerte competencia de Capitol, Motown, Elektra y Atlantic por nuevos talentos. Las compañías cinematográficas y las compañías de grabación también comenzaron a fusionarse. Se grabaron y vendieron bandas sonoras de música que acompañaban a las películas.

A principios de los años 80 las ventas de discos comenzaron a disminuir. Las emisoras de radio se centraron cada vez más en los subgéneros musicales en lugar de en los grandes éxitos de la época, lo que dificultó a las casas discográficas la producción de un álbum que llegara a la mayoría de los oyentes de música popular en la radio. Luego, en 1981, se introdujo la Music Television (MTV), un canal de cable dedicado exclusivamente a la música. La televisión añadió un nuevo elemento visual a la forma en que se comercializaba la música, y los vídeos musicales se convirtieron en algo esencial para los artistas de la grabación que buscaban el reconocimiento nacional. Popular entre los adolescentes y los jóvenes, MTV se convirtió en una fuerza influyente dentro de la industria, y las canciones presentadas en el canal se convirtieron en éxitos. En ese momento, la música impulsada por el ritmo, común entre los artistas negros, estaba sufriendo un fuerte descenso en su popularidad, en parte debido a su asociación con el disco, un género que se derrumbó a finales de la década de 1970. La música de los artistas negros fue relegada en su mayoría a estaciones que se centraban en el subgénero «contemporáneo urbano». MTV, promovida como una emisora de música rock, inicialmente se dirigió en gran medida a los espectadores blancos de los suburbios y las ciudades pequeñas, y no fue hasta septiembre de 1982 que entró en los mercados urbanos de la ciudad de Nueva York y Los Ángeles. En marzo de 1983 MTV finalmente puso al aire el video musical de «Billy Jean», un éxito de Michael Jackson (1958-2009) de su álbum Thriller (1982). El vídeo, junto con otro de la canción de Jackson «Beat It» -producido a bajo costo y que sirvió de escaparate para el baile de Jackson- no sólo contribuyó a las ventas de Thriller (que se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos) sino que también aumentó drásticamente la popularidad de MTV, ya que los aficionados a la música que escuchaban a otras personas hablar de los vídeos de Jackson empezaron a ver MTV. MTV pronto puso al aire videos de otros artistas negros, y el canal de música, que había amenazado con el cierre, comenzó a obtener beneficios en el primer trimestre de 1984. El éxito de Jackson animó a MTV, así como a muchas emisoras de radio, a volver a la estrategia anterior de emitir los grandes éxitos de la época en lugar de centrarse en un subgénero.

Durante el decenio de 1980, el Walkman de Sony (y otros pequeños dispositivos portátiles para escuchar cintas de casetes) ayudó a crear una nueva tendencia en la escucha de música. La gente ahora podía caminar por cualquier lugar con los reproductores de cintas y escuchar música a través de auriculares livianos. Otro cambio importante durante los años 80 fue el debut del disco compacto (CD). Los CD eran más pequeños, más ligeros y más duraderos que los discos y tenían una calidad de sonido superior a la de los casetes. También requerían un reproductor separado. A mediados del decenio de 1990, las ventas de casetes y discos de vinilo disminuyeron rápidamente, y los CD se habían convertido en el principal medio de transmisión del sonido grabado. Millones de estadounidenses comenzaron a reemplazar sus colecciones de cintas por CD, comprando reproductores de CD para sus equipos de música, así como reproductores de CD portátiles, producidos por Sony y otras empresas. La década de 1990 fue considerada la más rentable de la industria, y en 1999 las ventas alcanzaron los 38.000 millones de dólares.

A principios del siglo XXI la tecnología digital cambió aún más el negocio de la grabación de sonido. Las versiones asequibles de las grabadoras de CD, dispositivos que copiaban música de CDs pregrabados en CDs vírgenes, permitieron a los consumidores hacer duplicados de forma gratuita. A diferencia de las cintas de casete, que al ser duplicadas presentaban una menor calidad de sonido, las grabadoras de CD reproducían una calidad de sonido casi idéntica del original a una copia. La producción masiva de música regrabada gratuita y de alta calidad se convirtió en una seria amenaza para la industria musical.

La Internet también contribuyó a la decadencia de la industria musical. Se crearon sitios web para compartir música, como Napster, para ayudar a la gente a encontrar y descargar música digital de forma gratuita. Los consumidores podían subir canciones a Internet y compartirlas sin costo alguno con millones de personas. La Asociación de la Industria Discográfica de América (RIAA) demandó a Napster y a otros sitios por infracción de los derechos de autor, así como a personas que habían descargado música sin pagar por ella. En 2001 la compañía tecnológica Apple presentó el iPod, un pequeño dispositivo portátil que almacenaba y reproducía archivos de música digital. El reproductor de mp3, o música digital, más vendido, el iPod se hizo rápidamente popular entre los adolescentes y los jóvenes, ya que el dispositivo podía almacenar miles de canciones. Al igual que el Walkman antes de él, el iPod venía con auriculares ligeros y se podía llevar a cualquier parte. Pero a pesar de la creación de nuevos dispositivos, tiendas de música digital (como ITunes de Apple), y servicios de suscripción de música (incluyendo Pandora) que tenían acuerdos de venta con compañías discográficas, la industria musical continuó perdiendo millones de dólares, y muchas personas continuaron copiando o descargando música sin pagar por ello. La RIAA estimó que entre 2004 y 2009 se habían descargado ilegalmente más de 30.000 millones de canciones. Entre 1999 y 2011 las ventas de música disminuyeron en un 53 por ciento.

Sin embargo, para los consumidores, la era digital significaba el acceso a música portátil y barata. Los CD, como las cintas y los discos, se volvieron menos populares a medida que la gente almacenaba y escuchaba música en formato digital. La transmisión de música se hizo popular a medida que sitios como Pandora y Spotify permitieron a los consumidores crear listas de reproducción personalizadas y escuchar canciones sin necesidad de descargarlas o comprarlas. Muchos consumidores también comenzaron a utilizar sus teléfonos inteligentes para la música digital y de transmisión. Además, para muchos artistas independientes, el bajo costo de los equipos de grabación, junto con el acceso a Internet, hizo posible producir grabaciones de alta calidad y distribuir música sin necesidad de firmar con un sello discográfico. Las grandes discográficas se esforzaron por adaptar estos cambios fundamentales, y para finales de 2012 los ingresos anuales de la industria se habían reducido a 16.500 millones de dólares.

Revisor de hechos: Marck

Los Aspectos Jurídicos de la Industria de: Producción y Distribución de Música

Los aspectos jurídicos sobre producción y distribución de música hacen referencia a las normas que rigen las operaciones de las empresas de esta industria. Estas normas pueden incluir una amplia gama de temas jurídicos, desde las leyes laborales hasta las preocupaciones medioambientales, los contratos, las relaciones laborales y las normas de seguridad de los trabajadores (en producción y distribución de música y en otras industrias). Los sectores económicos varían mucho y las políticas empresariales de cada ámbito empresarial son tan únicas como la empresa a la que se refieren. Esta referencia compacta ofrece una visión general de la propiedad intelectual, los contratos, la publicidad, la planificación patrimonial y las cuestiones globales y regulatorias que contribuyen al campo del derecho sobre este sector (producción y distribución de música).

Los Riesgos y Desafíos de la Industria de: Producción y Distribución de Música

El texto adopta un enfoque aplicado al estudio del derecho que afecta al sector (Producción y Distribución de Música), teniendo especialmente en cuenta el cumplimiento y la prevención. Sitúa las controversias internacionales que afectan a producción y distribución de música en un contexto mundial, proporcionando una amplia cobertura de los riesgos y la problemática aplicable a este sector (producción y distribución de música).

Empleo y Asuntos Laborales en Producción y Distribución de Música

Las normas laborales son relevantes para cualquier organización, y las empresas de la industria sobre producción y distribución de música no son una excepción. De hecho, en términos generales, la industrialización no sólo condujo a las comodidades modernas de nuestra era tecnológica, sino también al surgimiento de sindicatos organizados. El empleo y las cuestiones laborales en algunos subsectores de las empresas de esta industria (producción y distribución de música) son, en varios casos, particularmente importantes, dada la naturaleza a menudo más peligrosa del trabajo.

Accidentes Industriales en Producción y Distribución de Música

Otra importante esfera de interés para las normas que regulan la actividad de esta industria son los accidentes. Los lugares de trabajo empresariales varían mucho según el sector y el desarrollo de la actividad de cada empresa. Los accidentes industriales comunes en este sector (producción y distribución de música), como en muchos otros, incluyen accidentes con caída de objetos, resbalones, tropiezos y caídas, y posibles lesiones con maquinaria o equipo. Las lesiones por accidentes industriales, en general, suelen ser más graves que otras lesiones en el lugar de trabajo, dada la naturaleza del trabajo. Como resultado, las normas sobre lesiones personales son una de las principales áreas del derecho relacionadas con las normas industriales que rigen la actividad de las empresas de este ámbito (producción y distribución de música) y otros.

Las Condiciones de Seguridad en el Trabajo en Producción y Distribución de Música

En el derecho comparado, la mayoría de países cuentan con un organismo encargado de supervisar las condiciones de seguridad en el lugar de trabajo, incluido las actividades laborales en este sector industrial (producción y distribución de música). Entre los problemas comunes, en función de los países y el tamaño de las empresas, se incluyen los peligros de comunicación, la falta de protección, el diseño eléctrico deficiente, y el uso inadecuado o sin licencia de ciertos activos empresariales.

Otras Áreas del Derecho que Afectan este Sector (Producción y Distribución de Música)

Como en cualquier industria, hay muchas otras áreas de preocupación legal para los que están en el sector de producción y distribución de música. Estas pueden incluir la contratación laboral y empresarial, cuestiones inmobiliarias, transporte y distribución, preocupaciones medioambientales y muchas otras. Este texto proporciona un análisis sistemático del derecho y la práctica de las normas y la regulación que afecta a Producción y Distribución de Música.

Segmentación Geográfica de Producción y Distribución de Música

Recursos

Véase También

• Esquema de la Tecnología de las Principales Industrias
• Estudios Económicos Sectoriales
• Producción y Distribución de Música
• Sector de Fabricación de Instrumentos Musicales
• Sector Secundario
• Sector Terciario